Les Lettres et les Arts

Selon Ferdinand Hodler, l’Art doit représenter l’harmonie du monde. Une oeuvre achevée demande donc ordre, symétrie et justes proportions. Pour cet artiste formé dans la tradition ingresque par Bartélemy Menn, cet idéal n’est atteignable que par un large travail d’études et d’esquisses, fondé sur l’observation de la nature. Dessins préparatoires et croquis forment ainsi la matrice de sa peinture.

C’est cette place fondamentale, et néanmoins peu connue, accordée à l’étude que le Cabinet d’art graphique de Genève a voulu présenter, en puisant dans ses archives une sélection de quelques 120 dessins, carnets, lithographies et affiches de l’artiste. Ainsi, la possibilité nous est donnée d’entrer dans la sphère intime du suisse, dans l’atelier de ses créations. L’exploitation des diverses techniques frappe. Légèreté des traits à l’encre, rehaussement à la gouache, aquarelle, collage ; Hodler semble maîtriser la palette entière. Il se sert également de techniques moins connues telles que la vitre de Dürer ou le poncif, parfaitement éclairées par les cartels de l’exposition. Et bien qu’il s’agisse d’une petite exposition, un panorama complet des différents formats et genres auxquels l’artiste a touché est présenté.

Dans la salle des sujets symbolistes, l’importance que l’artiste donne au mouvement corporel est mise en avant, car, selon Hodler « toute émotion a son geste ». Dans La Floraison, de souples figures, le buste incliné, les bras levés ondoient en rythme à l’intérieur d’un espace stylisé. L’étude acquiert ici une dimension symbolique ; harmonieuse, cette danse est une évocation transcendante, poétique et musicale de la force vitale des êtres. Suit une série d’autoportraits : frontaux, dotés d’une forte expressivité et d’une intensité du regard, Hodler s’y représente étonné, hypnotique, pénétrant. La suite de l’exposition nous permettra de redécouvrir, à travers leurs genèses, des œuvres célèbres telles que « La défaite de Marignan », « Le bûcheron » ou encore « Le faucheur ».

Bien que seuls des travaux préparatoires soit présentés, il en ressort déjà une certaine harmonie. Dès lors, ne faut-il pas qualifier les études d’Hodler d’oeuvres arts, d’ « œuvres sur papier » ?

Natacha Isoz

Ferdinand Hodler, Œuvres sur papier, Cabinet d’arts graphiques, Genève, du 10 novembre 2011 au 19 février 2012.

Illustration : Ferdinand Hodler (Berne, 1853 – Genève, 1918), Le Printemps (détail), sans date, lithographie au crayon, 675 x 435 mm, feuille 839 x 582 mm, Cabinet d’arts graphiques du Musée d’art et d’histoire, © MAH, Genève, photo : André Longchamp.

Centre régional de production au 16^ème siècle, Fribourg a préservé jusqu’à nos jours sa riche sculpture du Moyen-Âge tardif. Le musée d’art et d’histoire propose, du 14 octobre 2011 au 19 février 2012, Sculpture 1500, une grande exposition qui met en évidence un ensemble de pièces importantes provenant d’églises, de musées et de collections privées en Suisse et à l’étranger. Taillés dans le bois, Christs en croix, Vierges à l’enfant et Saints patrons sont réunis pour nous livrer un riche aperçu du matériel liturgique créé dans la région à la fin du Moyen-Âge. Les sculpteurs qui y étaient actifs venaient d’Allemagne, avaient pour modèles de grands maîtres de la sculpture allemande du siècle précédent comme Tilman Riemenschneider ou Niklaus Gerhaert, et exportaient leurs œuvres jusqu’en France et en Italie. Cette exposition, qui donne un aperçu de la production fribourgeoise entre 1500 et 1560, est divisée en deux grands blocs thématiques : la sculpture comme objet de culte et moyen de communication du commanditaire, et la production des sculptures dans un sens tant artisanal qu’artistique.

Bien qu’elles soient considérées aujourd’hui comme des œuvres d’art, ces sculptures médiévales étaient avant tout destinées à des pratiques dévotionnelles et liturgiques. Les différentes fonctions que remplissait une sculpture ou un ensemble de sculptures sont présentées dans l’exposition en quatre secteurs distincts. Le visiteur commence ainsi par découvrir les grands retables d’autel, des compositions produites en quantité importante par la ville de Fribourg, présentés de façon totalement inédite. En effet, après avoir été séparés pendant des siècles, sculptures et panneaux peints y sont à nouveau réunis pour la première fois. Visuellement, il s’agit de la section la plus impressionnante : le visiteur se trouve confronté, dès son entrée, à une série de grandes figures très expressives, à la silhouette allongée typique du gothique international et au visage serein. Les grands panneaux sculptés en relief surprennent par l’intensité de leurs couleurs et de leur dorure. Le tout est mis en valeur par un éclairage faible, tamisé, qui recrée l’atmosphère reposante d’une église.

L’exposition ouvre aussi une réflexion sur les saints patrons de la ville de Fribourg – entre autres les saints Nicolas, Catherine et Barbe – et sur les commanditaires qui avaient une grande influence sur la forme et le contenu des œuvres, allant jusqu’à s’y faire représenter. C’est toutefois la tradition oubliée des sculptures mobiles, une tradition ramenée à la vie dans l’exposition, qui est la plus étonnante. Il s’agit de sculptures qui étaient littéralement mises en scène lors de processions ou de célébrations. On notera ainsi deux pièces particulièrement intéressantes : le Christ de l’Ascension, de l’atelier du Maître au gros nez, que l’on faisait s’élever au-dessus des fidèles, et le surprenant Christ sur la croix pourvu d’un trou dans le dos, où l’on introduisait le « sang » qui coulerait de sa blessure.

La deuxième grande thématique de l’exposition concerne la production par les sculpteurs qui se considéraient en premier lieu comme des artisans. C’est dans cette optique que l’on propose au visiteur un regard sur l’atelier, avec son établi et ses outils de l’époque, ainsi que sur les diverses étapes de création, de la commande à l’élaboration de la polychromie, en passant par le travail du bois. Ce secteur, qui met l’accent sur le sens artisanal de la sculpture et montre le produit inachevé, ne manquera pas d’intéresser le public de par son aspect immersif. Dans la même optique, on invite le visiteur à centrer son attention sur les aspects stylistiques et techniques qui varient d’un sculpteur à l’autre, et de porter ainsi un regard plus scientifique sur l’œuvre.

A l’aide d’un parcours thématique, l’exposition rend compte efficacement de la richesse de la sculpture fribourgeoise de la fin du Moyen-Âge. Elle est complétée par deux publications, et possède un riche programme qui prévoit une trentaine de manifestations, de conférences en français et en allemand, ainsi que des ateliers pour adultes et pour enfants.

 Joana Marques

Sculpture 1500. Fribourg au cœur de l’Europe, Musée d’art et d’histoire de Fribourg, du 14 octobre 2011 au 19 février 2012.

Sculpture 1500. Fribourg au cœur de l’Europe, établi sous la direction de Jean Steinauer, Baden : Hier + jetzt, 186 pages, CHF 68.–

Illustration : Atelier de Hans Geiler, Retable de la crucifixion, 1515-1520, retable ouvert: H. 110,5 cm, L. 103 cm, P. 12,5 cm, Paris, Musée national du Moyen Age – Thermes et Hôtel de Cluny.

Par son titre déjà, l’exposition [Contre]Culture/CH suscite des interrogations. Qu’est-ce que la contre-culture ? On songe très vite à un art alternatif, issu du peuple, dédié à la contestation de la modernité. Et de fait, avec des Hell’s Angels nus (Karlheinz Weinberg) ou des Valaisans aux allures de cow-boys (Yann Gross), les premières salles de l’exposition nous montrent des individus qui réinventent une liberté en abrogeant les codes de conduite conventionnels.

« La contre-culture des années 1960 a bouleversé les valeurs traditionnelles dans les domaines du privé et du public, elle a redessiné des contours culturels et politiques qui vont des projets de prise de pouvoir à la libération sexuelle », peut-on lire à l’Elysée, en guise de préambule. De provocation directe en 1960, la contre-culture a évolué en critique du consumérisme par l’humour et l’absurde dès 1980. Le musée lausannois retrace cette évolution temporelle en consacrant à chaque étape un étage.

Le visiteur éprouve très vite l’impression de découvrir un art non officiel, tant les images sont nombreuses et se livrent bataille sur les murs pour attirer son attention. On est loin de la photographie-tableau, mise en valeur par un dépouillement volontaire. Foisonnante, l’exposition nous présente plus de vingt-cinq photographes, du XIX^e au XXI^e siècle. Un certain étonnement : il y a peu d’inconnus parmi ceux-ci. Presque exclusivement de grandes stars de la photographie contemporaine. On y retrouve Christian Lutz, Luc Chessex, Claude Baechtold ou les très fameux Plonk & Replonk. Tous des artistes suisses, qui ont marqué le paysage photographique des dernières décennies  avec des publications telles que Protokoll (Lutz), Switzerland VS the World (Baechtold) ou Bunkers (Leo Fabrizio).

Leur regard décalé a déjà fait les délices de nombreux amateurs ; l’ironie du propos a su séduire les foules. Et finalement, la célébrité des œuvres présentées offre davantage l’impression d’assister à un cours de culture contemporaine que de contre-culture.

Margot Daeppen

[Contre]Culture/CH, Musée de l’Elysée, Lausanne, du 4 décembre 2011 au 29 janvier 2012.

Illustration : Plonk & Replonk.